Henri Cartier Bresson

Documental biográfico sobre el celebre fotógrafo, donde el mismo Cartier Bresson es protagonista, y a través de entrevistas y sus fotografías nos muestra, no sólo su trabajo y personalidad, sino las posturas y concepciones que tenía el francés, además de sus amor por la pintura, sus celebres amigos (retratados). Además, en el DVD, una serie de entrevistas, reportajes donde nos da a conocer su trbajo como pintor, influencias, y un curioso reportaje - documental, donde su mayor talento es lo que más evita; el retrato.

Heinz Butler, es el encargado de la dirección, y aparecen además del propio Bresson, la gran actriz francesa, Isabelle Huppert (musa del austriáco Michael Haneke), y colaboradores del reportero gráfico; en escencia las fotos de Bresson hablan por sí solas, y sus pensamientos e ideas, están muy bien reflejadas en lo que dice y cuenta como entrevistado. Como algunos lo describían, un "fotografo con ojos de pintor".

Micmacs: La inocencia como valor cinematográfico

Si algo es notable en el cine de Jean Pierre Jeunet, es la inocencia; en los personajes, en las historias (mitad infantil, mitad surrealistas), pero definitivamente esa inocencia está plagada de una inigualable originalidad, que da forma a uno de los autores más notables no sólo de Europa, sino del cine actual mundial; con un estilo particular y reconocible, el cine de Jeunet es pieza fundamental en la narrativa y juego visual - sonoro que caracteriza al francés.

La historia como las anteriores de Jeunet, están marcadas por situaciones hilarantes, tiernas, descabelladas y absurdas, influencia de un gran personaje, que está rodeado por otros persoanjes aún más curiosos.

Con un tono de denuncia, y sin perder todos los elementos que caracterizan el cine de Jeunet, Micmacs, es genial desde todo punto de vista

Delicatessen - delicia visual-

La película se ambienta en un complejo de apartamentos post-apocalíptico en una Francia de un tiempo ambiguo. La historia se concentra en los residentes del complejo de edificios y en sus desesperados intentos por sobrevivir. Entre estos personajes se encuentra un recién llegado inquilino, quien llega para reemplazar a otro habitante cuya partida no es del todo clara al principio. El carnicero, Clapet, es el líder del edificio quien trata de mantener el control y el balance en el mismo.

Es un filme basado en sus personajes, cuyo interés es compartido por cada uno de los habitantes en cierto momento, producto de sus idiosincrasias y relaciones con los demás personajes de la película.

El cine de Jean Piere Jeunet y Marc Caro - cuando trabajaban juntos- era una mezcla de gran impacto visual e historias retorcidas - sus referencias surrealistas, sus juegos sonoros y visuales, y toda esa carga poética que se muestra en pantalla.

Los créditos de la película (como la mayoría de los créditos de Jeunet), son increíbles, tanto en el manejo tipográfico, la esctructura de la imagen con el texto, el color etc.

Kickass e Inception.

Cuando un buen director de cine está detrás de una película, los efectos, la música hacen parte de un conjunto estético que agregan funcionalidad a la cinta, sin embargo, en caso contrario, una buena idea, una buena novela gráfica y los intentos de innovar, terminan en películas para un sábado por la tarde.

Para entenderlo mejor, Inception de Chris Nolan (Memento, Batman Dark Knight, etc), posee un gran conjunto, no sólo las actuaciones,la música, esa rara mezcla de aventuras comerciales con guiones inteligentes, sino que posee unos efectos especiales del orden estético, no afectan a la historia, la complementa, la armoniza.

En caso contrario, Kick - ass, tiene buenas ideas, con los arquetipos del cómic y el cine "indie -hollywodense", pero a medida que pasa el largometraje, los defectos se hacen más notables, las escenas trilladas se hacen más notables, y lo más importante la supuesta "realidad", de Kick - ass, se va al fango en 10 minutos, es cuando uno dice "ok, era una película para un sábado en la tarde".

En resumidas cuentas, no tenían más que escribir.....

En pleno verano

Sinópsis

Delicado relato acerca de las relaciones de cuatro hermanos -tres chicas y un chico- que se traslucen a propósito de la averiguación de los mismos sobre la pareja que formaron sus padres. Los hermanos se han reunido en el aniversario de la muerte de su madre y en el fluir de las palabras y los recuerdos conocerán más cosas de las que en un principio deseaban querer saber.

En pleno verano, es una propuesta que atrae visualmente por la delicadeza de sus imágenes, siendo el color y la fotografía, fundamentales para el desarrollo de la historia, ya que los colores identifican las historias; pero no sólo visualmente destaca el film de Tran Anh Hung, su ritmo pausado, la música (tanto la de Lou Reed como la diseñada para la película) enmarcan un cuadro perfecto, como las escenas rutinarias -de la tímida e incestuosa relación- de los hermanos con sus movimientos suaves, la música, el sol o la lluvia como personajes que se manifiestan en la escena. Además de la imagineria y puesta en escena del director oriental, es innegable la calidad visual del Director de arte, Bernoit Barouch, quien a través del color y su impecable diseño manufactura un conjunto de gran calidad.


Se debe resaltar además los créditos - tanto de entrada como al final- de una simpleza casi minimal, impecables y acorde a la naturaleza del filme.

Un filme que como conjunto es excepcional, con una gran factura técnica, desde la fotografía hasta el diseño sonoro.

Un cortometraje que resume este Blog

Aquiles y la Tortuga - o- paradoja del fracaso

En "Achilles to Kame", Kitano interpreta a un artista de escaso talento pero motivado y apasionado que cuenta con el apoyo de su sufrida esposa, a la que da vida Kanako Higuchi.

Tragi- comedia de Takesho Kitano, al más puro estilo Takeshi Kitano, prueba de locura, reflexión y belleza. El cine de Kitano es amado u odiado, pero nunca deja de ser llamativo, no tanto por su innovación o estilo visual (aunuqe lo posee), sino por sus marcadas reflexiones, exageraciones y al fin de cuentas locura y el rostro de Kitano - tan zen- infantil o demencial - carente de emoción- pero Kitano al fin y al cabo.

La película en sí es una gran reflexión sobre el arte y los artistas, la sobrevaloración de los mismos, y el fracaso como un punto total que está por delante de sus talentos (como la tortuga de Aquiles).

Visualmente Aquiles y la tortuga, posee el mismo estilo de sus películas anteriores, simple, efectiva y con una tonalidad blancuzca (yo penaría casí en iluminación televisiva en algunos casos), sin embargo, las pinturas (cuadros) y las pinturas (color), contrastan notablemente con la iluminación, jugando de manera coherente con la temática dl film.

Ante todo, Kitano nos hace reflexionar - exageradamente - sobre el arte, la obsesión por la misma (el dibujo), y el fracaso como hilo conductor de nuestras vidas.

Y como es habitual el director japonés no olvida el amor, o la obsesión o cómo se le quiera llamar a la relaciones que pone en pantalla Kitano, la de este caso - absurda-

Manufactured Landscapes

Un documental que se puede apreciar en dos variantes, el ecológico y el fotográfico, personamente me inclino por el segundo, ya que la calidad de las paisajes de Edward Burtynsky - paisajes artificiales- quedan en la retina, como muchos de los artilugios mecánicos que aparece en el filme.

Frente a la parte ecológica la película tiene un punto neutral, que se limita a mostrar procesos y consecunecias, pero que no va mas allá de esa idea.

Un interesante resultado, con una gran calidad - obviamente la fotografía es fundamental- y con ese aire de denuncia, enmarcado en los bellos, gigantes y artificiales paisajes de Burtynsky.

Splendor - Amor por el cine

Splendor es una de esas películas, que a pesar de no ser muy conocidas (posiblemente opacada por Cinema Paradiso), es una pequeña joya del cine italiano, en este caso una película de Ettore Scola que marcan las vivencias de 3 personajes (Marcello Mastroiani, Massimo Troisi y Marina Vlady), al ver que su sala de cine -Splendor- va a cerrarse; pero más allá de la historia, es un homenaje al cine, y una certera reflexión sobre el 7mo arte y su amor por éste.

De valioso reconocimiento (en este caso hablando de Diseño) el cartel y los creditos de la película, que dentro de su sobriedad está enmarcada el contexto fílmico y el homenaje al mismo.

Zoom in a: Es la primera de las tres películas que rodó Massimo Troisi bajo la dirección de Ettore Scola.

http://vimeo.com/10558659

(3) Documentales sobre el Diseño Gráfico

El género documental es de gran importancia para mí, principalmente la temática política y social, sin embargo; en los últimos años y tras la celebración del 50avo aniversario de la tipografía Helvetica, surgió una película -que si bien no es la primera- dedicada al diseño gráfico, en este caso el director Gary Hustwit, presenta un filme apropiado para celebrar tal acontecimiento, aún así ; la película es de gran interés, no sólo por su temática, sino por sus apropiados puntos de vista -acerca de la famosa tipografía- las imágenes sobre procesos de diseño, entrevistas de expertos de todo el mundo y de todos los campos y su acertada banda sonora.


OBJECTIFIED

Siguiendo con la temática del diseño (en este caso el industrial), Gary Huswit presenta el documental Objectified, un filme bastante interesante en su contendio, pero que llega a decepcionar un poco, por la cantidad de entrevistas - que aunque interesantes, no profundizan en mayor forma-, y tal vez pierde esa nostalgia e inocencia que posee Helvetica, sin embargo, algunas reflexiones sobre la funcionalidad de algunos objetos, y la masificación de los mismos da mucho que pensar, y nos cuestiona sobre la estética del objeto por encima de su funcionalidad.

De resaltar, el empaque para la película apropiado al contexto de o que se dice en el fime.




HILLMAN CURTIS: ARTIST SERIES

Reflexiones sobre el diseño gráfico, por un diseñador gráfico convertido en cineasta o documentalista en este caso; 12 reflexiones por artistas gráficos, tipografos, agencias, con un aire nostalgico e instructivo.

http://www.hillmancurtis.com/index.php?/film/view/latest_films/

EL VIENTRE DEL ARQUITECTO

SINÓPSIS
Un arquitecto americano llamado Stourley Kracklite visita Roma junto a Louise, su mujer, para participar en una exposición. Sin motivo aparente, comienza a sentir fuertes dolores en el vientre. Al mismo tiempo, un joven comienza a cortejar a su esposa. Ante la desazón que le produce su situación laboral y personal, comienza a adentrarse en un camino de neurosis e introspección personal, que interpreta magistralmente el actor Brian Dennehy -bajo la virtuosa mano del director Peter Greenaway- y que nos conduce silenciosamente hacia una agónico desenlace, gracias a los delirios de lucidez en que se encuentra aislado en medio de una atmósfera greco-romana. En este valioso metraje de culto, donde básicamente se retrata la búsqueda de la belleza en medio de la podredumbre de toda materia desde la perspectiva del "tempus fugit", el director galés completa una de sus mejores películas.

A título personal, una de las mejores películas del director galés, con sus características obsesiones sobre la muerte, la carne y el sexo, la escritura y por supuesto el arte, en este caso la arquitectura (tema que en los últimos años -por lo menos en el documental ha tomado fuerza); Greenaway manifiesta en este film la construcción (de la exhibición) y de la deconstrucción del personaje Kraclite (Brian Dehenny) - una soberbia actuación- siempre con las acostumbradas reflexiones sobre le arte, la muerte, la historia y en este filme la estética.

Con una sobria y coherente banda sonora, logramos visualizar esa constante búsqueda de la forma ( la obsesión de Kraclite por el vientre masculino) y el color: la fotografía es vital en la película, y obviamente la escritura como elemento tipográfico (como en la mayoría de sus filmes).

Mirrormask y el mundo surreal de Dave Mckean

Dave Mckean en el mundo del diseño y la ilustración, es uno de los personajes más reconocidos y admirados, sin embargo; su creatividad no se ha limitado al mundo gráfico, sino que ha puesto en movimiento esas imágenes, a través de cortometrajes, videoclíps y en este caso de un largometraje, producido por la compañia Henson ( áquella de los Muppets, Laberinto y todos los que vimos en la infancia); Mirrormask (La máscara de los sueños) es una mezcla de fantasía, mundos mágicos, y la estética Mckean, unidos a las letras de Neil Gaiman, una música ideal y todo un conjunto de calidad, que a pesar de su limitado presupuesto, se transforma en una gran virtud, para demostrar la calidad imaginativa no sólo de Mckean, sino de su grupo de amigos - fue realmente un pequeño gupo de colaboradores cercanos a Mckean , Gaiman y la compañia Henson- que por encima de todo, abrieron sus mentes y plasmaron su creatividad en ese lienzo de 35 milímetros.
La trama del largometraje, se puede reducir a un cuento de mundos alternativos, un "el principe y el mendigo" freudiano, de cierta manera se pueden ver las influencias de Gaiman (Coraline es un buen ejemplo). Pero por encima de todo, es un viaje fantástico a través del mundo que crea Helena (Stephanie Leonidas), y de ahí en adelante es Mckean al ciento por ciento.

Mirrormask, es una gran excusa para reunir a dos grandes talentos, generando un producto inigualable - no por que no se haya hecho - sino por esa profunda maquinaria estética que proviene de la mente de los señores Mckean y Gaiman.

Int. Noche - Apartamento Claustrofóbico

Empezar siempre es complicado, el érase una vez es demasiado antiguado, el bienvenidos es cursi; es más fácil iniciar con un.... "no tengo nada mejor que hacer que generar un blog sobre cine".